en busca del amor...

"Ángeles Caídos" de Wong Kar-wai. En una ciudad tan cosmopolita como Hong Kong en donde constantemente se interactúa con muchas personas tanto en el ámbito público como privado, cinco personajes tratan de escapar de su soledad buscando incesantemente el amor por esos breves momentos de calidez y bienestar que proporciona su búsqueda, para luego quedarse sólo con el recuerdo, el cual les hablará de aquél breve instante en que fueron felices, porque “nada es inmutable” y “todas las memorias son restos de lágrimas”, testimonio de lo que se escapó, de aquello que no terminó de ser, de un momento que llegó, o demasiado pronto, o demasiado tarde, o no atinó a llegar, porque el amor es percibido como una anhelada utopía, y como tal se vislumbra inalcanzable, aunque ello no frene a los personajes en continuar su búsqueda alentados por los breves momentos felices que se encuentran en el trayecto. Lo importante no es la meta sino el camino lleno de vivencias efímeras de felicidad que conduce a ésta.

La marcha nunca se aminora, y después de cada experiencia sólo nos encontramos con nosotros mismos, a causa, precisamente, de nosotros mismos. Cito a Meister Eckhart: “la culpa de la perturbación, no la tienen los modos [de proceder] ni las cosas: quien te perturba eres tú mismo a través de las cosas, porque te comportas desordenadamente frente a ellas”.
Al final sólo estamos nosotros con aquellas memorias de felicidad que logramos experimentar en el camino.

El personaje de Michele lo entiende y así lo manifiesta cuando al final del filme reflexiona al respecto y comparte sus pensamientos con el espectador al decir, con voz en off:

"-Cuando me voy a retirar le pido que me lleve a casa.
Hace mucho que no ando en motocicleta, de hecho hace mucho que no estoy tan cerca de un hombre.
El camino no es tan largo y sé que pronto me bajaré.
Pero siento tanto calor en este momento…"

["-I’m about to leave, I ask him to take me home.
I haven’t ridden pillion for a long time nor have I been this close to a man in ages.
The road home isn’t very long and I know I’ll be getting off soon.
But at this moment, I’m feeling such lovely warmth."]


"Ángeles Caídos" (Duo luo tian shi) de Wong Kar-wai es una joya de asombrosa belleza, y como algunos otros de sus filmes es pura poesía.

déjame entrar...

Låt den rätte komma in (Let the Right One In) - Déjame entrar

Hoy he visto “Låt den rätte komma in”, película sueca dirigida por Tomas Alfredson, con guión de John Ajvide Lindqvist. Conforme transcurría la película la temática me sorprendió, y lo que más me sorprendió fue que me gustase.

Más que una historia de vampiros “Låt den rätte komma in” es una historia sobre la soledad, sobre la oscuridad, sobre la tristeza, sobre el instinto, sobre la identificación, sobre la búsqueda interna, sobre la compresión, sobre la aceptación, pero sobre todo: sobre el amor, particularmente sobre el amor imposible por el que se hacen cosas inimaginables.

Corazones que se comunican en la noche a través de las paredes por clave morse, corazones que se buscan constantemente sin miedo de lo que puedan encontrar en el otro, corazones que huyen juntos en tren para lograr lo imposible. La historia de Oskar y Eli es entrañable, me confirma que los límites en el amor nos los imponemos nosotros mismos, y que sólo hace falta voluntad para hacer posible lo imposible.

Un aplauso para los suecos cuyo cine no dejo de admirar.


“Cuanto más crezco, menos soy. Cuando más me encuentro, más me pierdo. Cuanto más me defino, menos límites tengo.” Fernando Pessoa

epístola para mi compañero de cineteca...

Llego rayando al CineClub, pago mi boleto y me dispongo a ingresar, saludo a E. y le doy mi boleto, me dice: -ven-, me aparta de la fila y me reclama: -¿Por qué pagaste boleto? Tú nada más te pasas y ya-, -Está bien, es que no te vi, será para la próxima- le respondí yo, entro a la sala y me veo rodeada de gringos los tengo a un lado, atrás y adelante en grupos de tres (pareciera que después de conquistar San Miguel de Allende se han puesto el objetivo de hacerlo con Guanajuato, jiji), la película comienza y mi viaje interno también.

Aunque me encuentre rodeada de personas para mí soy sólo yo en la inmensidad de la sala y lo que el cinematógrafo proyecta en la pantalla, ahí puedo reír, llorar, concordar, disentir, alegrarme, entristecerme, excitarme, y a veces hasta aburrirme, es momento para la introspección, para la reflexión, pero también para la contemplación y el disfrute, cuando logro establecer una conexión con la historia, los personajes, las imágenes, el sonido y la visión del director, me estremezco, comienzo a vibrar al encontrarme en la misma frecuencia de aquello que presencio, es ahí cuando la película pasa a formar parte de mi vida, no todas lo logran, pero las que lo hacen se quedan ahí para siempre, esa es la magia del cine, me muestra otras maneras de percibir la realidad, me acerca a diferentes visiones y culturas, me confirma que, aunque en el fondo somos lo mismo, somos también poseedores de una diversidad tan excitante, tan vibrante y tan increíble como especie humana, que no dejo de sorprenderme ni de saciarme por conocer más de esa cosmogonía de la que todos somos parte y uno con el universo.

Sobre Las flores del cerezo (Kirschblüten – Hanami) de Doris Dörrie: me tocó, me conmovió, comprendí y celebré todas y cada una de las metáforas planteadas con maestría por la directora, sentí todo lo que vi en la pantalla como si lo estuviera viviendo, lloré mucho y con hondo sentimiento cuando la historia llegaba a su fin, fue entonces que sentí y entendí lo que me dijiste hoy, tus palabras me llegaron a la mente en la escena climax de la película: -quiero morir junto a ti-, y entonces te respondí en la oscuridad de la sala, llena de lágrimas y en silencio: -cuando muera será junto a ti-.

Gran película, algo tiene la Dörrie, me identifico con su forma de armar la historia para decir precisamente eso que desea, me gusta su narrativa, que no tanto su cinematografía, ésta no es deslumbrante ni cuidada pero ni falta que le hace. Le aplaudo de pie.

Al salir de la sala seguí llorando, me calmé al ver la luna llena en todo su esplendor: preciosa. Tomé algunas fotos nocturnas de la ciudad y volví a casa, me serví un vaso del vino blanco que me enviaste y que me encanta y me puse a escribirte mi experiencia en la sala de cine.

Te tengo conmigo, no te soltaré ni en la muerte.

The Royal Tenenbaums

Esta ha sido mi semana con Wes Anderson, he visto nuevamente "The Royal Tenenbaums" por dos noches seguidas (es una de mis películas favoritas de siempre y ya tenía como un año sin verla), la disfruté a cada segundo, me siguen cautivando cada uno de sus personajes y la historia sigue sorprendiéndome. En un rato más al cine, la cartelera comercial ofrece "The Darjeeling Limited", y yo voy a verla otra vez, jejejeje...

¡Adoro a Wes Anderson!

The Darjeeling Limited

Un tren perdido ¡Sí, perdido! ¿En qué punto y cómo equivocó el rumbo? A bordo un trío de hermanos en un viaje que el mayor de ellos planeó pero que los otros dos aún no comprenden, la dosis exacta de melancolía, el absurdo como regla, tres hermanos que se evitan para protegerse pero que también se acosan tratando de entenderse, tras el viaje vuelven al punto de partida aunque desde otra perspectiva.

El tren perdido es una alegoría de sus propias vidas, las omnipresentes maletas de viaje (herencia de su padre) que cargan siempre a todos lados, guardan el exacto significado metafórico que se manifiesta al final de la cinta en donde todo se resuelve magistralmente.

La historia, el guión, las actuaciones, la cinematografía, la breve aparición de Bill Murray con su "poker face" y un final con una escena sublime en slow motion hacen que ver esta cinta sea una delicia para quienes gustamos de las películas que nos dejan un agridulce sabor de boca. ¡Amo a Wes Anderson!

"No debemos dejar de explorar, porque al final de nuestra exploración llegaremos a nuestro punto de partida, y conoceremos el lugar por primera vez". T. S. Eliot.

MATCH POINT ¿cuestión de suerte?

The man who said "I'd rather be lucky than good" saw deeply into life. People are afraid to face how great a part of life is dependent on luck. It's scary to think so much is out of one's control. There are moments in a match when the ball hits the top of the net, and for a split second, it can either go forward or fall back. With a little luck, it goes forward, and you win. Or maybe it doesn't, and you lose. Chris Wilton en Match Point (Woody Allen, 2005).

Vi Match Point en el 2005 cuando vivía en la Mexico City (extraño esos días, mucho, mucho), fue en los Cinemex de Pabellón Altavista (donde era cliente asidua por cierto), lo que más me atrajo del filme fue el planteamiento de la culpa como castigo supremo a una mala acción, la suerte como procuradora de ese castigo tormentoso por una acción que no se puede confesar, que consecuentemente no se puede expiar, y con la que se debe cargar el resto de la vida sin posibilidad de obtener perdón.

Uno de los principios fundamentales de la ética es “no hagas a otros lo que no quieras que te hagan a ti”, pero es igualmente justificado afirmar: “todo lo que hagas a otros te lo haces también a ti mismo”[1]. Creo que esta última frase sintetiza lo que Woody Allen plantea en Match Point, y que previamente había tocado con mejor tino aunque con menos sensualidad en Crímenes y pecados.

La película comienza con una premisa representada por una pelota de tenis que pega contra la red: en ciertos momentos, en la vida como en el juego, la suerte puede decidirlo todo. Chris Wilton, un joven de origen humilde sobrevive como instructor de tenis en un club elitista en donde conoce a los aristocráticos hermanos Tom y Eleanor Hewett y a Nola Rice, prometida de Tom. De la convivencia con los círculos aristocráticos crece en Chris una ambición por procurarse un bienestar económico y social y ve en Eleanor, quien se siente atraída por él, al instrumento perfecto para lograrlo, aunque es Nola por quien siente una desenfrenada atracción.

Allen presenta una historia sobre la consecución de los deseos de un joven ambicioso y sus implicaciones éticas, la referencia de Chris con el Raskolnikov de Dostoievski en Crimen y Castigo es evidente, y el suceso trágico derivado de las elecciones y acciones del protagonista refiere a Crímenes y Pecados en cuyo epílogo Allen plantea: “Todos nos enfrentamos en la vida con decisiones agonizantes, con elecciones morales, pero nos definimos según las elecciones que hacemos, de hecho, somos la suma de nuestras elecciones”. En el desenlace la suerte juega un papel primordial y parece estar del lado del protagonista, aparentemente no hay consecuencias a sus acciones, sin embargo ¿No es el remordimiento la tortura más intensa que puede soportar el alma humana? Aunque no se crea en la justicia divina, aunque la suerte permita evadir la justicia humana, el hombre no puede escapar de sí mismo, al caer en cuenta de su mala acción ya está siendo castigado porque comprende que se ha estropeado a sí mismo voluntariamente.

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[1] Erich Fromm, Ética y Psicoanálisis.

entre films y conciertos...

Esta semana vi Babel y no me gustó: pretenciosa, absurda y aburrida, otra vez historias que se interrelacionan repitiendo disposiciones estético-narrativas, me quedo con las siguientes preguntas que plantea un crítico con cuya opinión concuerdo: -¿Estos señores sabrán escribir y plasmar en pantalla alguna vez una historia sencilla contada de forma lineal? ¿O siempre habrá que acudir al trucaje para contar relatos sin peso más allá de la autoindulgencia y la dictadura visual?-

En un rato más me voy a la expo, veremos/escucharemos a Sonic Youth, mañana otro concierto y una velada en Guanajuato, chau...

Frase del día: "Para ser universal hay que ser específico". Alfred Hitchcock


p.d. ¡Guácala el sentimiento patriotero alrededor de Babel! ¡Guácala!

shape our desires, fuel our dreams...

¿Qué nos dicen las películas acerca de nosotros mismos?

Ver una película es para mí toda una experiencia, es como una hora en el diván del psicoalista pero sin el Dr. Freud (auque con algo de ayuda de S. Žižek), dicha actividad me ha ayudado a conocerme más, a entender por qué quiero lo que quiero y por qué lo quiero cómo lo quiero, la fantasía gobierna la realidad...

Primero fue “El acoso de las fantasías”, ahora “Arriesgar lo imposible”, sigue “El sublime objeto de la ideología”, leer a Žižek me calma los nervios, me reanima, ahora estoy a la espera de experimentar “The Pervert's Guide to Cinema” me causa mucha emoción estar a la expectativa de dicho documental, espero que no tarde mucho en llegar por estos lares...

Películas analizadas en "The Pervert's Guide to Cinema":

Possessed (1934), Clarence Brown; The Matrix (1999), Andy and Larry Wachowski; The Birds (1963), Alfred Hitchcock; Psycho (1960), Alfred Hitchcock; Duck Soup (1933), Leo Mc Carey; Monkey Business (1931), Norman Z McCleod; The Exorcist (1973), William Friedkin; Testament of Dr Mabuse (1933), Fritz Lang; Alien (1979), Ridley Scott; The Great Dictator (1940), Charles Chaplin; Mulholland Drive (2002), David Lynch; Alice in Wonderland (1951), Clyde Geronimi, Wilfred Jackson and Hamilton Luske; The Red Shoes (1948), Michael Powell; Dr. Strangelove (1963), Stanley Kubrick; Fight Club (1999), David Fincher; Dead of Night (1945), Alberto Cavalcanti; The Conversation (1974), Francis Ford Coppola; Blue Velvet (1986), David Lynch; Vertigo (1958), Alfred Hitchcock; Psycho Theatrical Trailer (1960); Solaris (1972), Andrei Tarkovsky; The Piano Teacher (2001), Michael Haneke; Wild at Heart (1990), David Lynch; Lost Highway (1996), David Lynch; Dune (1984), David Lynch; Persona (1966), Ingmar Bergman; Eyes Wide Shut (1999), Stanley Kubrick; Blue (1993), Krysztof Kieslowski; In the Cut (2003), Jane Campion; The Wizard of Oz (1939), Victor Fleming; Frankenstein (1931), James Whale; 10 Commandments (1956), Cecil B. DeMille; Dogville (2003), Lars Von Trier; Alien Resurrection (1997), Jean-Pierre Jeunet; To Catch a Thief (1954), Alfred Hitchcock; Saboteur (1942), Alfred Hitchcock; Rear Window (1954), Alfred Hitchcock; North by Northwest (1959), Alfred Hitchcock; Stalker (1979), Andrei Tarkovsky; Kubanskie Kasaki (1949), Ivan Pyryev; Ivan the Terrible (Part Two) (1945), Sergei Eisenstein; Pluto's Judgment Day (1935), David Hand; City Lights (1931), Charles Chaplin.

'Cinema is the ultimate pervert art. It doesn't give you what you desire, it tells you how to desire' - Slavoj Žižek

("El cine es un arte esencialmente pervertido. No te da lo que deseas sino que te dice cómo desear" -Slavoj Žižek) Hacía mucho que no escuchaba algo tan cierto...



p.d. En un rato más al Cineforo, hoy exhiben "París, je t'aime" dentro de la XLVIII MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE.

¿Rara?

F: -¡Me siento raro!-

E: -¿Raro bien? o ¿raro mal?-

De la película “Elsa & Fred” de Marcos Carnevale (hacía mucho que no me reía tanto en el cine…)

Canción escuchada una y otra vez: “Just like heaven” – The Cure.

mmmhh?

Lo que se cree y lo que se ve suele engañarnos... caminando por la ciudad descubrí un lugar para leer, tomar café y degustar arquitectura, ¡qué vista! Buscaba un lugar diferente a los que acostumbro para hacer tiempo en lo que comenzaba mi película, calculé que no habría mucha gente en el cine Gto, pareciera que toda la ciudad estaba en línea para entrar al Teatro Principal y ver Sangre en presentación especial para residentes (¡la línea llegaba hasta la oficina postal!), yo no me formé, la ví en la Cineteca Nacional hace unos meses.

Sobre mi peli (The Lake House), la disfruté: romance, tiempo-destiempo, arquitectura... mmmmhh, aunque tal vez le sobró romance, y el happy ending como que no me convenció, tal vez si no se ciñera a los clichés del género... o ¿será que al momento no estoy ávida de pajas mentales? aunque eso si, buscaré Siworae de Hyun-seung Lee, la peli original cuyo refrito hollywoodense me aventé hace unas horas, confieso que el tema pese a todo me sigue atrayendo: el amor y su ausencia de sincronía...

Ahora, songs of faith and devotion, dormir luego, comenzar a soñar después... endless night...

y sigue la muestra...

He seguido la Muestra Internacional de Cine en estos días, vi Gente di Roma de Ettore Scola (Italia 2003), entretenida a ratos y con momentos hilarantes y disfrutables, pero muy lenta en su desarrollo y sin un hilo conductor convincente que engarce las historias planteadas, tal vez ese era el objetivo del director, pero sin ese algo que enlace las historias la película parece perder el sentido y la narrativa falla por lo que el argumento se vuelven tedioso y trillado.

También disfruté de Así en la tierra como en el cielo (Så som i himmelen) de Kay Pollak (Suecia 2004). Soy gran admiradora del cine escandinavo y me declaro fan del cine sueco, tiene algo que me mueve, que me llega, así que el saber que la película antes mencionada viene de aquellas gélidas tierras fue razón suficiente para decidirme a verla, fue una atinada elección, no salí decepcionada. La película gira en torno a la creación musical, Daniel el protagonista, músico célebre, sufre una crisis que lo hace retirarse de los escenarios y regresar a su pueblo natal, ahí comenzará una búsqueda interna por hacer realidad el sueño de su niñez: hacer música que abra el corazón de las personas, en esa búsqueda enfrentará los miedos y conflictos que le hacían aislarse y le impedían acercarse a la gente, y es que ¿Cómo crear música que abra el corazón de las personas si no se permitía conocerlas, sentirlas, quererlas? Daniel se enfrentará con una duda: cuando una persona te gusta ¿Cómo saber que no lo amas? Difícil planteamiento para alguien que como él no se ha permitido el amar a alguien, sin embargo, su experiencia en esa búsqueda de creación musical en su pueblo natal le permitirá resolver esa duda.

Las actuaciones son excelentes y la música aparece como el elemento cohesionador, de comunicación, de reflexión y de goce que permite que un grupo de personas se identifiquen y respeten entre sí a pesar de las diferencias que entre ellos existen. El gélido paisaje sueco contrasta con los cálidos sonidos emitidos por los personajes en esa búsqueda interna de sentir y transmitir la música con su propio cuerpo, definitivamente la voz humana es un instrumento maravilloso que manifiesta la música que sentimos en el interior, la cual refleja, a su vez, nuestros sentires más profundos...


mi confianza fue más allá de las palabras... quiero saber lo que valgo, sentir que estoy viva... quiero sentir que estoy viva cada día de mi vida... el paraíso que creí que estaba ahí, lo encontraré en otra parte...

desde Hungría...

Ayer empezó la XLVI Muestra Internacional de Cine y yo la comencé con Kontroll de Nimród Antal (Hungría, 2003). Excelente y mordaz película, cuya historia se desarrolla en el sistema subterráneo del metro de Budapest, éste, el guión y los entrañables, excéntricos y atinados personajes de la historia le dan a la cinta una personalidad única que raya entre lo real y lo onírico. De la comedia al misterio, de la cruda realidad al sueño, de las profundidades del alma a los instintos más básicos del hombre. Kontroll tiene múltiples lecturas, para mí es un poema visual a los más profundos temores y deseos del alma humana y sobre cómo los afrontamos y compartimos con el resto de nuestros congéneres, no en vano la historia se desarrolla en ese sistema subterráneo en donde todos somos tan semejantes unos a otros, más parecidos entre nosotros que en la superficie. El concepto de profundidad tanto figurativamente (en el alma humana) como en la realidad (en el sistema subterráneo del metro), es inteligentemente tratado para platearnos ¿Qué es lo que subyace por debajo que tanto deseamos pero que tememos afrontar? ¡La escena final es una gloria! y el soundtrack de Neo hace que esta película además de ser tan placentera para la vista lo sea también para el oido.

La realidad en su matiz más crudo y a la vez en la percepción más onírica que tenemos de ella.

¡Mordaz, mágica, única e inolvidable!

¿Algo más que decir sobre mi experiencia cinematográfica de ayer? Sí: "I just met a wonderful man. He's fictional, but you can't have everything." :o)

apuntes breves sobre mis experiencias cinematográficas de fin de semana...

A veces la contemplación de otras formas de ver la vida me descubre algo que no sabía que tenía...

El violinista (Hanni Zai Yiki), de Chen Kaige. Cuando el talento y las oportunidades se contraponen al amor ¿Qué camino se debe seguir? Nunca me habían mostrado el amor de una manera tan diáfana como en esta cinta, el darlo todo sin esperar nada a cambio más que el bienestar y la felicidad de la persona amada es la más grande prueba de que el amor, en estos insensibles tiempos, aún existe, y que la sola experiencia de sentirlo y actuar en consecuencia, vale la vida entera. Hermosa y conmovedora historia donde la música funciona como el perfecto catalizador...

Mentiras Urbanas (Heights), de Chris Terrio. Pareciera que el amor tiene su propio destino, y sus propios signos y símbolos, el problema es que no todos compartimos el mismo código. A veces estamos tan ciegos que necesitamos que la casualidad o las consecuencias de nuestras equivocaciones nos abran los ojos para actuar, cuando no encontramos razones para cambiar es a veces la vida quien nos muestra el camino, si al presenciar cierto evento que nos debería doler sentimos alivio (y vergüenza por sentirlo), significa que nos hemos dado cuenta del error en el que nos encontrábamos (-¡gracias por darme una salida!- pensó Isabelle en la cinta). Bueno el speech sobre la pasión que da la Close al inicio del film (así como toda su actuación)...

Coffee & Cigarettes, de Jim Jarmusch. Reconforta saber que comparto ese vicio con otras personas. Disfruté contemplar los rostros en primer plano de esa gente famosa interpretándose a sí misma, fotografiados en blanco y negro, tomando café, fumando cigarrillos y mostrando las mismas inseguridades, conflictos y problemas que el resto del mundo, a final de cuentas todos somos seres humanos ¿no? Mi corto favorito fue el de Cousins? Con Alfred Molina y Steve Coogan, el único segmento en donde se sustituye el café por un buen té para beneplácito de estos dos ingleses, uno de los cuales detesta California y sus palmeras (Coogan), Molina organiza el encuentro porque desea plantearle algo a Coogan y comienza expresándole su admiración por su trabajo en 24 hour party people, le comenta sus impresiones sobre las múltiples y logradas referencias al contexto, tiempo y fenómeno que en dicha película se representa, pese al interés de Molina por conocer a Coogan, éste no se ven tan animado por el encuentro... Mi segundo segmento favorito fue el Meg y Jack (alias The white stripes): Jack shows Meg his Tesla coil, donde Jack le habla a Meg sobre Nikola Tesla y de cómo éste percibía al mundo como un conductor de resonancia acústica; mi tercer corto favorito fue el de Somewhere in California, con Iggy Pop y Tom Waits, Iggy se sorprende de la segunda profesión de Tom así como de que le guste tanto ese lugar en donde la rocola no tiene una sola de sus canciones, divertido escuchar hablar a este par sobre las impresiones que tienen el uno del otro entre otras cosas...

Un buen vino es como una buena película: dura un instante y te deja en la boca un sabor a gloria; es nuevo en cada sorbo y, como ocurre con las películas, nace y renace en cada saboreador. Federico Fellini

interesante película...

El lunes pasado fue el último día de cineclub ya que reanudará funciones hasta que pase el Festival Cervantino debido a la preparación del Teatro Principal para los eventos que se desarrollarán en él, la última película que fuí a ver fue ARARAT.

Ararat es un filme de Atom Egoyan acerca de la verdad, la mentira, el amor y el odio, narrada de una manera inteligente, amena e interesante que hace que los conceptos listados anteriormente sean tratados tanto a nivel personal (relación de los personajes) como a nivel global (contexto histórico-político). La cinta plasma, a través de una película dentro de la película, el genocidio armenio que tuvo lugar en Turquía en 1915, mucho antes de que Hitler pensara en hacer el suyo, y cuyo conocimiento del caso hizo que en 1935 comentara, antes de embarcarse en el genocidio judío, la siguiente frase: “después de todo, ¿quién recuerda el exterminio de los armenios?” y, a decir verdad, ¿quién lo hace?, yo no lo conocía y tal vez es por ello que me sorprendió la lectura de denuncia del filme, el gobierno turco niega que se haya llevado a cabo tal atrocidad y la única evidencia son unos pocos testigos, algunas confesiones y la inexplicable desaparición de una gran población armenia.

En la película, la línea entre la verdad y el engaño es tan tenue, y en ciertos momentos casi desaparece, que me hizo plantearme el siguiente razonamiento: hasta hace muy poco la historia de la humanidad carecía de un verdadero archivo, todos los registros encontrados son pocos y contradictorios y es lo único que tiene los historiadores para trabajar, ello me hace deducir que nunca se podrá llegar a conclusiones certeras. Incluso las palabras de Hitler son cuestionables, ¿verdaderamente las pronunciaría? ¿cómo podemos saber realmente cualquier cosa del pasado si inclusive dudamos de la veracidad de ciertos hecho actuales que se nos dan por verídicos? es este razonamiento y la subsecuente inquietud lo que los realizadores del filme plantean de una manera sumamente inteligente.

En sus otras lecturas la película es emotiva, dramática, intelectual, íntima y reflexiva, un verdadero deleite para el que disfruta de las innovaciones en la narrativa cinematográfica. Sobre su lectura de denuncia diré que es un importante filme que lleva a la conciencia colectiva el exterminio olvidado de más de seiscientos mil armenios por parte de un gobierno que se niega a reconocerlo, una interesante reflexión sobre la verdad, la mentira y la delgada línea que las divide.

En un mundo lleno de mentiras, ¿cómo saber quien dice la verdad?...

aprendiendo sobre diversidad...

Pocas veces se tiene la oportunidad de disfrutar del cine Holandés, la última película de aquel país que vi fue "Memorias de Antonia", de Marleen Gorris, hace ya algunos años. Ayer en el cineclub me tocó disfrutar de "Tres Hermanas y Dos Novios" de Paula van der Oest. Antes de ser nominada al Oscar por Mejor Película en Lengua No Inglesa en el 2003, la película había ganado los premios más importantes de su país en los rubros actuación y guión, escrito este último por la propia directora. La critica llegó a comparar esta película con "Hannah y sus hermanas", de Woody Allen, ya que los filmes comparten las complejas relaciones entre familiares y emplean claves autobiográficas: en "Tres hermanas y dos novios" la realizadora localizó la parte portuguesa de su filme en un hotel donde suele pasar sus vacaciones, hizo trabajar a su esposo en un papel y repartió historias personales en las biografías de las tres hermanas. Para la directora Paula van der Oest, la comparación con Allen es un halago. "Woody Allen es una de mis mayores inspiraciones. Allen está muy asociado con Nueva York y yo siento que mi película refleja cierto estilo contemporáneo de la vida urbana de Holanda", dijo.

Pasando a la trama Sonja, Wanda y Michelle son tres hermanas que de pronto se ven unidas por una situación: su hermano Nino, al que ellas creen gay, se va a casar. Tal situación las une debido a las disposiciones testamentarias de su padre respecto al Hotel Paraiso, propiedad familiar en la costa portuguesa, según el testamento dicho hotel es propiedad familiar hasta que el hijo varón se case, en cuyo caso pasará a ser de su propiedad, las hermanas no están dispuesta a perder el hotel que tiene un gran significado en sus vidas.

Las hermanas piensan que como Nino es gay, se va a casar por conveniencia para heredar Paraíso, hotel que remodelará y venderá después aunque para ello tenga que dejar al amor de su vida: Felix, un famoso chef que conduce un programa de televisión. Ante tales suspicacias y después de conocer a la prometida de Nino: Bo, las hermanas tratan de persuadir a ésta con muy variados métodos que desista de unirse a Nino en matrimonio, en esta peculiar aventura las hermanas revivirán rencillas pasadas, descubrirán deslices actuales que pondrán a prueba su templanza y reafirmarán los vínculos que las unen.

La película es una manifestación de la diversidad sexual que se vive en los Países Bajos, situaciones que en nuestra cultura pueden sonar escandalosas como la homosexualidad, la infidelidad, y la transexualidad, aquí se tratan de una manera inteligente, sin morbo, simplemente son parte de la vida, se comprenden, se asimilan y se sigue adelante, de hecho el final es bastante ácido, aquí escandalizaría a más de uno, ya que no hay sentimientos de culpa, sacrificios, ni castigos, simplemente se toman las decisiones que más convienen a la autorealización y la felicidad de quien decide, algo que por aquí se debería aprender...

eterno resplandor de una mente sin recuerdos...

Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Buena película que llega como bocanada de aire fresco entre tantos blockbusters de verano que invaden el cine comercial. Aunque un tanto confusa en sus inicios debido a la narrativa, la película plantea el supuesto de eliminar de nuestra memoria los recuerdos que se tienen de alguien a quien se desea olvidar por completo y se convierte en una reflexión sobre la existencia de la predeterminación y su posible manifestación en la vida de los seres humanos.

La cinta comienza cuando Joel (Jim Carrey) y Clementine (Kate Winslet) se conocen en un tren, previamente su primer encuentro fue cuando se habían dirigido miradas furtivas en una cafetería (¿o no?), de inmediato surge una atracción entre ellos que los hace pasar lo que resta del día juntos, todo parece ir perfecto, cuando de pronto el director cambia por completo e inteligentemente el planteamiento del filme jugando con la narrativa, las imágenes, los diálogos y creando una confusión entre lo real y lo onírico, el principio y el fin, de pronto entran en escena lugares como Lacuna Corp., en donde un médico (Tom Wilkinson) se dedica a eliminar de la mente de las personas los recuerdos de alguien a quien desean olvidar, y personajes como Mary (Kirsten Dunst), que ignora ciertos aspectos de su pasado y que le serán revelados la noche en que da rienda suelta a sus instintos y en la cual Stan (Mark Ruffalo) le borra a Jim todo recuerdo de Clementine.

Gran parte de la película transcurre dentro del cerebro de Jim y plasma el esfuerzo de éste por evitar que Clementine se le vaya de la memoria, cuando ya en pleno proceso se arrepiente de lo que ha solicitado a Lacuna Corp., Jim trata de esconderla en lo más profundo de sus recuerdos aunque sin éxito, ya que al despertar no le queda ni un recuerdo de lo que fue su vida con Clementine, pero la historia continúa y el desenlace plasma una reflexión sobre la aplicación de la doctrina de la predeterminación forzosa e ininterrumpida del acontecer natural (expuesta ya en la antigua filosofía del átomo de Demócrito y posteriormente llevada a un perfilamiento claro, transparente y matemático por la mecánica newtoniana, dentro de la ciencia occidental), a la vida y las relaciones de los seres humanos, ¿fantasiosa?, tal vez, pero interesante como ejercicio de reflexión...

Eterno Resplandor de una mente sin recuerdos es una buena película con buenas actuaciones, escrita por Charlie Kaufman, quien me sigue sorprendiendo después de escribir ¿Quieres ser John Malkovich? (1999), y El ladrón de orquídeas (Adaptation, 2002). Teniendo de antecedentes a estas dos buenas piezas cinematográficas, se intuye que se está ante una que se sale de lo convencional y que retará al espectador a inmiscuirse en la trama y compartir junto con el protagonista la confusión que se manifiesta en su cerebro...

otro lunes de cineclub...

MI VIDA SIN MÍ. España-Canadá, 2003.
La lluvia sobre el rostro no se siente igual cuando sabes que vas a morir irremediablemente en 3 meses, y menos aún cuando tienes 23 años y todavía te faltan muchas cosas por conocer, experimentar, sentir... "Acabas de descubrir que tu vida ha sido un sueño y que ahora estás despertando", esta es precisamente la situación a la que se enfrenta Ann (Sarah Polley) una joven madre de dos, casada con el primer hombre al que besó a los 17 años (Scott Speedman), con quien terminó casándose debido a un embarazo no planeado, y con quien vive en un trailer ubicado en el patio trasero de la casa de su madre (Deborah Harry).

Ann decide no comentarle a nadie sobre esta particular situación y la enfrenta sola, reflexiona y comienza enlistando en un diario: "cosas que debo hacer antes de morir". En el tiempo que le queda de vida, Ann decide, entre otras cosas: decirle a sus hijas que las quiere todos los días, grabar cintas con mensajes de cumpleaños para cada una hasta que cumplan 18, visitar a su padre en la cárcel, buscarle una mujer a su esposo, hacerlo con otro hombre para saber "que se siente", y hacer que alguien se enamore de ella.

La realización de los deseos plasmados en el diario, así como el anhelo de experimentar los sentimientos que despertarán en ella cuando lleve a cabo su plan, son los hilos conductores de la cinta que desembocarán, irremediablemente en su muerte.

El ser consciente de su propia muerte y el tener la certeza de la premura con la que ocurrirá, es lo que lleva a la protagonista a experimentar el significado del verbo vivir en su máxima expresión.

En la búsqueda de la realización de su anhelo de sentir, Ann conoce a Lee (Mark Ruffalo), un hombre callado, solitario y misántropo, y comienza con él una breve historia de amor que le brinda gratificantes y únicos momentos que le hacen más llevadero el dolor que su afección la hace experimentar, tal vez es la brevedad lo que magnifica la relación y la hace "perfecta", y es, a mi punto de vista, la mejor despedida que le brinda la vida a aquella chica que no había sabido vivirla a cabalidad, y la mejor bienvenida a aquel hombre que estaba tan decepcionado de ella.

La película muestra la glorificación de la vida a través de la muerte, la supremacía de calidad sobre la cantidad, y en palabras de la directora trata sobre descubrir el valor de la vida justo cuando se está a punto de perderla, ya lo dijo Oscar Wilde: "A veces podemos pasarnos años sin vivir en absoluto, y de pronto toda nuestra vida se concentra en un solo instante".

Definitivamente "La/Mi vida sin mi" de Isabel Coixet es un poema a la vida y a los sentimientos que nos hacen humanos...

lunes en el cineclub...

Dios es grande, yo soy pequeña. Francia, 2001. Una cinta paródica de Pascale Bailly, sobre lo que une a dos personas y aquello, que a su vez los desune. Michèle (Audrey Tautou), una joven modelo, y François (Edouard Boer), un veterinario en sus treintas, son dos personas que no sirven para estar juntas, sin embargo la atracción que hay entre ellos los obliga a soportar su disparidad de caracteres y criterios sobrellevándose mutuamente ante la mirada deseperante del espectador.

La película hace uso de las páginas del diario de Michèle para narrar la historia, comienza diciendo "Tengo 20 años e hice un desastre con mi vida", esto debido a que acaba tanto de terminar una relación con Bertrand (Mathieu Demi), como de sufrir un aborto. A raíz de ello trata de buscar consuelo en la búsqueda de una espiritualidad que no consigue encontrar, y en la realización de un amor que está destinado a fracasar.

El es judío y ella católica no practicante con tendencias hacia el budismo, sin embargo, para tratar de disminuir ese gran abismo entre ella y su amado, Michèle toma cursos de judaísmo y está pensando convertirse después de que descubre el goce en aquello que estudia (temática que ocupa casi la mitad de la película). Al pasar del tiempo descubre que su plan no tiene éxito, su pareja no está tan interesada en ser un judío practicante como ella, y se avergüenza, en cierto sentido, de sus orígenes. Existe, tanto en él como en ella, un conflicto interno de identidad. Es precisamente la búsqueda de la identidad lo que lleva a Michèle a experimentar con diferentes religiones buscando en ellas una explicación de la vida y un sentido de pertenencia a "algo" debido, tal vez, a la desintegración de su núcleo familiar y una madre que parece rechazarla a cada momento.

El carisma de Audrey Tautou, aunado a la reflexión sobre la importancia de la religión en la vida de las personas y si a ésta debe estar supeditado el amor que se siente por alguien, son los elementos que a mi punto de vista salvan el filme.

La sensación de desesperación me duró toda la película, ambos tienen conflictos de identidad y planes de vida muy diferentes, es por ello que fracasan al tratar de construir una relación, desde mi perspectiva disfrutarían más de su atracción al aceptar que sólo funcionan como amantes, el es tan conflictivo y de todo arma una alharaca que dan ganas de mandarlo al carajo en la segunda cita, ella es linda y agradable, pero tan permisiva y sacrificada, y con tan sólo una pizca de amor propio que es incapaz de imponerse a si misma sobre los demás.

Toda la película como espectadora me pregunté "¿en que momento se fue a encontrar a este tipo?, ¿por que no lo deja?", pero ya lo dijo Anatole France: "Las verdades que revela la inteligencia permanecen estériles. Sólo el corazón es capaz de fecundar los sueños", sin embargo, François nunca estuvo interesado en fecundar nada, así se lo dijo a una decepcionada Michèle cuando ésta creía enfrentarse a lo que la hizo escribir en su diario, al inicio de la cinta: "Tengo 20 años e hice un desastre con mi vida"...

Festival Internacional de Cine "Expresión en Corto" 2004

Al Festival Internacional de Cine "Expresión en Corto", el adjetivo de "corto" comienza a serle impreciso, pues para su séptima edición, a inaugurarse este 17 de julio, muestra un crecimiento espectacular.
Más de 250 producciones en total, 89 de ellas en las secciones competitivas, se dejarán ver en las ciudades de San Miguel de Allende y Guanajuato, durante una jornada cinematográfica que se extenderá hasta el 24 de julio y cuyos pormenores fueron dados a conocer este lunes.
Se recibieron un total de 620 trabajos provenientes de más de una treintena de países para ser considerados dentro de la competencia.
Las categorías en competencia este año serán las de cortometraje en cine, cortometraje en video, corto experimental, corto de animación y documental.
El festival guanajuatense, considerado como uno de los más importantes de su tipo en el continente, premiará en especie a sus mejores trabajos, otorgándole a los realizadores película, equipo de filmación e iluminación, así como servicios de post-producción para hacer posible su siguiente obra.
Alemania, la patria de Wim Wenders y Tom Tykwer, y país invitado de este año, se hará presente con dos muestras retrospectivas de cortometraje germano, cortesía del renombrado Festival Internacional de Cortometraje de Oberhausen (Internationale Kurzfilmtage Oberhausen), que celebra medio siglo de vida, y de la Asociación Alemana de Cortometraje.

Cine por todos lados. Como en años anteriores, la efervescencia por el cine desbordará los recintos de proyección oficiales, como el Auditorio del Estado y el Teatro Principal, en Guanajuato, para trasladarse a las calles y túneles de Guanajuato, que acogerán la muestra “Locura de Medianoche”, dedicada en esta ocasión a la diversidad sexual, con materiales provenientes del festival MixMéxico y del canadiense Inside Out.
Además de la competencia cinematográfica que se dirimirá en las pantallas, el festival acogerá un certamen de guionismo y la segunda edición del Rally Malayerba, una original competencia de realización cinematográfica en la que siete directores (dos más que el año pasado) deberán producir, editar y presentar un cortometraje en 24 horas.
Como es tradición, la presencia de destacadas personalidades de la cinematografía nacional e internacional será uno de los atractivos del festival. En esta edición, los ganadores del Oscar en las categorías de Corto de Animación y Corto Documental, Adam Elliot y Maryann DeLeo, compartirán sus experiencias y el director estadounidense, Irving Kershner, realizador de “El Imperio Contraataca” y “Nunca digas nunca jamás”, ofrecerá una conferencia magistral.
En el abultado programa del festival, también hallará cabida la exhibición (tres meses antes de su estreno comercial) del largometraje invitado “Temporada de patos”, de Fernando Eimbcke, ganador de nueve premios en la pasada Muestra de Cine Mexicano de Guadalajara y competidora en la Semana de la Crítica, en Cannes; así como un concierto con la cantante Julieta Venegas.
Entre las novedades que tendrá la séptima edición de Expresión en Corto, están los certámenes “Un banquete de película”, un concurso gastronómico entre restaurantes de Guanajuato y San Miguel de Allende, y “Guanajuato se viste de cine”, donde varios comercios decorarán y se pondrán en sintonía con el ambiente fílmico.
Otra novedad en el programa es la realización del primer International Pitching Market, un espacio de encuentro entre realizadores cinematográficos y empresas productoras y distribuidoras que permitirá concretar proyectos cinematográficos. Participan en este proyecto la Sociedad General de Escritores de México, la Motion Picture Association de Estados Unidos y el Fondo de Inversión y Estímulos al Cine, entre otras instituciones.

El Festival Internacional de Cine Expresión en Corto, que espera superar la asistencia de 48 mil personas el año pasado, fue inaugurado en San Miguel de Allende el sábado 17 de julio, y termina el sábado 24 de julio: a las 20:30 hrs. se realizará la Clausura y entrega de trofeos y premios en el Auditorio del Estado, y a las 23:00 hrs. se llevará a cabo el Evento de Clausura: Festival Música Tecno. Green Vevet. a realizarse en la Calle Subterránea.

Del artículo: "Acortan distancias para festival" de Luis Meza.

Inverosímil, tal como su nombre...

Hace unas semanas fuí al cine, ¿la película? Las Mujeres Perfectas, una de las últimas que veré por estos lugares, The Stepford Wives, (su título original en inglés), es un thriller cómico donde se plantea la supuesta vida perfecta en una pequeña comunidad de Connecticut, el guionista de la cinta, Paul Rudnick la describe así: "Stepford es en apariencia el perfecto suburbio americano, el sueño burgués definitivo. Es una ciudad de mansiones magníficas, coches deportivos, madres perfectas, niños de modales excelentes y padres completamente felices... demasiado perfecto para ser humano y demasiado perfecto para durar".

Joanna Eberhart (Nicole Kidman) es la exitosa presidenta de una cadena de televisión, hasta que un suceso catastrófico hace que sea despedida y que su mundo, tal como lo había conocido hasta ese momento se derrumbe. Dicho suceso la obliga a replantearse, junto a su marido Walter (Matthew Broderick), el sentido de la vida, ambos deciden comenzar de nuevo en el suburbio de Stepford, Connecticut. Ahí Joanna conoce a Bobbie Markowitz (Bette Midler) y Roger Bannister (Roger Bart), quienes también acaban de mudarse a Stepford, todo parece tan perfecto a los ojos de estos nuevos inquilinos que termina por levantar sus suspicacias, lo que deriva en que se den a la tarea de investigar que es lo que subyace en las tan perfectas vidas de los habitantes de Stepford.

Los elementos clave parecen, en primera instancia, las esposas, todas son como Claire Wellington (Glenn Close), hermosas, felices, activas y "perfectas", a Joanna, Bobbie y Roger les intrigan, cada vez más, sus atractivas pero sumisas vecinas; como segundo elemento clave está la Asociación de Hombres de Stepford, cuya sede es una imponente mansión que parece esconder algo más tras esa fachada de club masculino en donde no solo se fuman habanos y se bebe bourbon.

En palabras del director Frank Oz "la película es una combinación de comedia con crítica social, con los sentimientos de los personajes y con nociones de maldad y perversión", sin embargo, en mi particular punto de vista, la cinta resulta un remake no muy afortunado, inconsistente en ciertos momentos y falla al tratar de incursionar en el género de la ciencia ficción, el cual tiene ciertas reglas. Las Mujeres Perfectas es un filme que no termina de abarcar ni llenar ninguno de los géneros que combina (comedia, denuncia social, thriller, ciencia ficción, etc.) sus inconsistencias y un desenlace inesperado hacen que, al final, la película resulte inverosímil.